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つづき、、、

Timothy Taylor Galleryにいくと、真っ暗だった。今日はやってないのかしら？と思って中に入っていくと、paintingなのかphotoなのかわからいけど１０点近く真っ黒の２０号くらいの物が展示されていた。？と思ってみて見ると真っ黒。？？？？？と思ってじーーーーーっと見ていると、ウッッッッすら少年の顔だったり、上半身ヌードが見えてくる。後で知ったがこれはphotoらしい。薄気味悪くてでもじっと見るめるということをシンプルに再確認するような作品だった。
奥に進むとダゲレオタイプで撮影した作品が並んでいた。水の波紋がぶれて映っている。その水面には何が映っているかはっきりとはわからないけれども。打って変わって異常にきれいな作品でした。両方ともダゲレオタイプで撮影しているみたい。
http://www.ttgallery.com/index_1024.html

Haunch of VenisonではDiana Thaterの作品が並ぶ。１Fでは今回の展示のDrawing、２Fにあがると、Video installationがある。窓にはピンクのセロハンが貼られ、部屋全体が黄色におびている中、ヒッチコックのような鳥がばたばた羽ばたいている映像が８台くらい構成され壁に設置されているflatTVに映し出されている。もう一つの壁には同じようにTVがかけられ、でもこちらはしっかり長方形に並べられたTV全体に蝶が映し出されている。かなりTVの枠、映像、と絵画の問題を大きく扱っている作品。その上にいくと今度は緑の部屋に映像がprojectionされている。３つの映像で、虎が３匹円形のプールで遊んでいる。赤いボールにじゃれついている映像。それをひとつは主に真上から全体を映し出し、もう一つは虎を追う形で編集され、後一つは真上からの映像を２つ大きさを変えてだぶらせて一つに編集したもの。どこかほのぼのとした雰囲気がある。そのあと帰ろうと思って階段を下りていくと、緑の部屋の影響で、黄色の部屋にいったとき、先ほど見た鳥の映像の空の色が違って見えた。あれ、こういうことなの？とちょっと唖然。
http://www.haunchofvenison.com/

centerから少し外れてGaosian Galleryに向かう。Carsten Hollerの展示があったのでちょっと楽しみにしていた。
ついてみると大きなギャラリーで期待が膨らむ。入ってすぐ、唖然。いきなり現れたのは遊園地によくある回転ブランコ。しかもちゃんとまわっている。わお。
サイズ的、構造的にはもちろん本物とは違うけれど（たぶん）回転ブランコだ。
その全体はミラーになっていて周りの空間を映し出す。壁にはcmykにずらされた遊園地の回転ブランコの写真が展示してある。なによりも作ってしまうことの面白さ、大胆さにやられてしまった。その奥にはステージで踊っている人たちの映像があった。３台のprojecterを使い、左、真ん中、右からのアングルで撮影されたものが0.5秒くらいで一つずつうつされる。ぱっぱっって感じ？でエンドレスに。ずっとみていると目が疲れてくる。笑。けど、完全にアングルがあっているわけでもないのでよく見てみると人の位置がずれているし、音楽ともあっていないところもある。これは視点のずれが面白かった。
その他に写真で３点、男の人が自然の中、少し緑のあるところ、砂漠（緑から離れた）で下半身がヌードで映っている。自然の中から次第に上半身に服を着ていっているのがわかる。
あと、SHOUGO ARTでみたことがあるSnowflakeもあった。氷の結晶の作品。その部屋の床に、ぶた？なのか何なのかわからない黄色の動物が横たわる。その表面がたれた肉肉しさをもっている。たぶんFRPでできているんだろうけど。脚の爪は本物のような光沢と汚れ方をしていて、すごい変な感じがした。かなり面白かった。
http://www.gagosian.com/current/exhibitions/


最後にeast londonに戻って、Wilkinson Galleryにいく。私が住んでいる近くにあったのでちょとびっくり。Perfect VacuumというタイトルでRobert Orchadsonの作品が展示されていた。まず入って３点立体が設置されている。
ひとつは白いひょうたん型の細いところをもっときゅって細くした形、のもの、壁に立てかけられた細い木の立体、円形状の表面には無数のcubeが並んでいる平面。床にもうひとつ。作品から見ると、かなりミニマルな形で構成している。けれども素材の面白さとマッチしてスマートな展示になっていた。２Fにあがると、吊るされているcubeの立体が、、。額田さんの作品をちょっと思い出してしまった。
形、素材、すこしノスタルジックな雰囲気もあった。
http://www.wilkinsongallery.com/intro.html

今回見てきた作品はどれも面白かった。クオリティが高く、やっていることが明確。展示の仕方がやっぱうまいなぁと思いました。（展示室にもよるんだけど）

ちょこちょこまわってきたのをまとめて書きますから、長くなります。

まず、HideParkの中にある、Serpentine Galleryに行きました。
ここではOliver Payne&Nick Relphの展示がやっていました。以前、水戸芸術美術館でやっていた「lonely planet」で映像の作品があったのを覚えているでしょうか？その作品も含め、一つ一つ丁寧に映像ブースに分かれて６点の映像作品がありました。水戸で展示されていた「Mixtape2002」を改めてみて、二回目だからなのかわからないけど、すんなりと面白く見れることができました。たぶん、まとめて多くの作品が見れて、比較てきに見やすかったからかもしれません。また、あのポップな音楽と映像がなんだか妙に肌に合って見れてしまったのはこっちの雰囲気とフィットしているからなのかもしれません。他の映像は、public buildingに使われている石を永遠と否定？なのかわからなかったけど、説明しているものがあれば、映画「scream」のキャラクターっぽい、ムンクの絵みたいな顔のが二人いて、バックは合成されている画面で（主に地下鉄だったり街の風景だったり、抽象的なデザインだったり、、）抽象的なものだったり、、、と、全体的にPVのような画面ではあるのだけれど、結構固いことをテーマにしているようでした。（私も完全に理解はできなかったのであまり説明できません。）
http://www.serpentinegallery.org/

このギャラリーをでて、すぐ横に（屋外）に設置されていたのがAlvaro Siza & Eduardo Souto de Mouraの共同作品「Pavilion 2005」です。心地いいお昼過ぎ、中はカフェになっていて多くの人が和んでいました。ううーん。素敵な午後って感じ。

ところかわって、centerにあるgalleryをがつんと行きます。
Sadio Coles HQでAvner Ben-Galのpaintingが６点（それぞれサイズは違うけれど大きいもので１００号くらいだったかな）展示されていました。入った瞬間、描かれているものが荒々しくみえて気持ち悪かったけれど、一つ一つ丁寧に見ていくと、表面的に絵の具が結構のっているところもあれば、そうでないところも合って、意外と物質的な感じもしたのだけれども、全体の奥行きがあるように描かれていた。それに反して大きく引いて見たときに
絵の枠から広がるというよりも前に画面全体が浮き出てくるような感覚があった。その感覚は普段あまり目にしない感覚だったので少し新鮮だった。
http://www.sadiecoles.com/tbwx4.html

Anthony Reynolds GalleryではNobuko Tuchiya（土屋のぶこ？）日本人作家の展示でした。作品は全て立体で人間よりも小さいものが何点か点在するように展示されていました。既成品をつかい、それと融合させる形で細長い針金のようなものがひょろってでている。繊細な感じ？なものが多かった。あとFRPで何かを型とったものが使われていた。１Fと２Fと作品が展示されてたのだけれど、１Fはその一つ一つが独立した作品としてタイトルがついているのにも関わらずまとめて一角においてある展示だった。２Fはひとつの作品で、たぶん部屋（例えば自分の部屋、リビングルーム、ETC）の構成に近いところで設置されているのではないかと思わせる展示だった。素材感が強いのでそんなに主だって物語性が見えているのではない。むしろそれを殺しているようにも思えたし。けど全体的にはとてもきれいな形を持っていて物語、というよりも詩的という方がぴったりくる展示だった。

Hauser & Wirth London、ここでは「BLACK PUSSY」というタイトルでJason Phoadesという作家のinstallation作品。入ってみて部屋中にごちゃごちゃと大量のネオンサインや大量の花瓶、布、インディアンの雑貨、ロープ、棚、ベット、中国製の小物、ラジオ、、、、部屋のようにもなっている箇所もあったけど、全部それらの小物で埋め尽くされている世界だった。天井からもいろいろぶら下がっている感じ。２Fのベランダから見下ろすとその景色から全部がまぜこぜになっているように見えた。それらは消費社会における産物のようにも見えたし、混沌とした世界にも見えた。地下の展示室には２点、立体があった。ひとつはwash machineの上にそのネオンライトのようなものがのっていて、動いているマシーンが違うマシーンに見えてくる。もうひとつは絵の具のパレットの形をしたアイロン台とアイロンがおいてある。こちらは比較的わかりやすいものだった。
http://www.hauserwirth.com/index2.php

やっぱり長くなるので２回に分けます。つづく、、、、

　府中市美術館でやっている アメリカ― ホイットニー美術館コレクションに見るアメリカの素顔は、なかなか必見の展覧会かもしれません。ペインティングやっている人はまず絶対逃してはなりません。ホイットニーじゃそこまですごくないかもしれませんが、日本じゃなかなかお目にかかれない作品がいっぱいです。フランク・ステラ、ピーター・ハリー、アレックス・カッツ、ロス・ブルックナー、アンディー・ウォーホル、エリック・フィッシェリはそこまで大作ではありませんがなかなか大きいのが来ています。（絵じゃないけれどバネット・ニューマンも）
　そのほかにロイ・リキテンシュタイン、ブルース・ナウマン、ジャスパー・ジョーンズ、ジョン・カリン、エドワード・ホッパー、ミルトン・アヴェリ、クレス・オルデンバーグは大きくはないもののどれもかなり秀逸。

　展覧会を回ってみると、アメリカ絵画って、あら、なんとあっさりカラッとしているのかしら。と、戸惑われる方もいるかもしれませんが、そのぶん、それまでの絵画にはなかった、伸びやかさや軽さ、作品の明快な姿勢見てとることができる。
　ヨーロッパ的な歴史性を引きずった絵画と、アメリカの絵画では、感じ方がこうも違うのかと実感しました。もちろん、あまりこういう視点ばかりで作品を見ることは危険ですが。

　そんなことを感じながらもバゼリッツやポルケ、リヒターなどの現代ドイツ絵画の巨匠たちと比較してみるのもなかなか面白いかなと思っています。まぁ、府中の今回の展示が必ずしもすべてがアメリカ人ということではないのですが。
　アメリカのモダニズム絵画が中心になっていますが、抽象だけに偏ることもなく、具象と抽象、ポップ等がうまい具合に混ぜられているので非常にみやすい展示になっていますので、おすすめの展示です。
　形式的な側面が見えてくるというよりも、アメリカ絵画の雰囲気的なものがうまく伝わってくる展覧会だと僕は思いました。

やっと今月からギャラリーがオープンし始めます。夏休みも終わったし、ちょこっとまわって来た。

昨日、近藤正勝さんのギャラリーにいってきました。
David Risley Galleryでは、今、AD HOCというタイトルでMatt Calderwood, Man Ray, Boo Ritson, Jorge Sosaのグループショウが始まったところです。近藤さんにアポをとり、そのオープニングに行って来ました。オープニングといっても普通に入れるんだけど。ギャラリーが夏の間に移転していました。かなりいい感じのギャラリーです。
作品ははっきりいって、人が多くてまともには見れていないのですが、Matt Calderwoodのsome things just workは不思議なバランスで重力を感じさせない。Boo Ritsonは、グラフィックな感覚で立体を作る人のようです。私が見た作品は蒔きを三角錐状に（よくキャンプであるような）形つくってあるものでした。みためはすごくかわいいんだけど、リアリティが妙にない気がしておかしかった。
Jorge Sosaの作品は気持ち悪い、お面の作品がありました。一つ一つの素材が結構主張していて、ある物語を自分の中で連想させるような気がしました。

http://www.davidrisleygallery.com/


そして、今日approach galleryでEvren Tekinoktayという作家の作品を見てきました。approach galleryはpubの二階にあって階段を上っていくと一つの広い部屋に出ます。そこに正方形の１７２×１５９�aくらいの絵（紙）が７枚展示されていました。彼女の作品は彼女の家族のアルバムやポピュラーな雑誌や新聞からイメージをあつめコラージュしている作品です。ドローイングに近いと思います。
彼女の扱っているコラージュを見るとかなりポリティックな印象を受けましたが、それと同時にフェミニス的な印象も受けました。けど、やっぱり一番興味があるのは絵を作ることのように見えました。そのバランス感覚が結構クールだなと思いました。
http://www.theapproach.co.uk/

あとf a projectというgalleryにも行ってきました。こちらはtate modernの近くにあるgalleryです。James Irelandという作家のexhibisionで部屋一面にピース状になっているスチールにミラーを取り付けたものをばらまかせて（重ねて）あり、所々に石がおいてあったり、砂がおいてあったり、、、それと水がポンプでまわっているものがおいてありました。その水の音が結構重要で、その水の音がミラーのぐねぐねと映り込んでいる（天井なんだけど）ものをあたかも水面のように見せる効果をもたらしていました。枯山水に近い。かなりミニマルな作品にも思えます。が、一カ所、スチールの裏に空の写真が貼ってあってそれがミラーに反射して見えているのを見つけたとき、ああ、ちょっといいな、と思いました。
インスタレーションだったけど、問題意識としては絵画的な感じを受けました。
結構面白かった。

http://www.faprojects.com/

　最近近所の古本屋で、モネの画集を見ていたら、モネの自覚的な絵のつくりに改めて納得したところがあった。モネのこの自覚っぷりが、つまらないと思うときもあるのだけれど、この前画集で見たときは、素直に楽しむことができた。
　
http://www.unitedscripters.com/scripts/monet.jpg

　そしてこのリンクの画像の作品。これが、改めて見るととても異様な感じがしたので、この作品について考えてみようと思った。この作品はモネの中でもとても有名な作品だし、僕が中学生のとき最も好きな作品の一つだった。
　この日傘を持った人のポートレイトは、当たり前のようにすばらしいから、なぜいいのかについて今まで考えることがなかった。そして、今回改めてみるとこの作品を良いというよりも、少し異様な感じがしたように思う。
　
　さて、この作品を語る前に、まずモネではなく、マネについて語ってみようと思う。それは目線の問題。

　マネの作品で有名な「草上の昼食」。ここの作品の有名な形式的な問題の一つに「見返し」というものがある。
　絵の中の女性がこちらを見返しているのだ。ただそれだけだが、この服を着た男たちと一緒にいる裸の女性がこちらを見返すことによって、そこでは絵画におけるさまざまな問題が暴露されることになる。この見返しが見る者と絵画における表象の世界との関係性を見るものに直接的に意識させた事件とも言っていいわけだが、今回はあくまでモネの問題であるからそこを深くは説明しないことにする。
　
　http://www.hkfreak.net/euro9806/005.jpg


　さて、マネにおいてそういった目線とヒエラルキー的な問題というのはかなり意識的に取り込まれているといっていいだろう。もちろんそれを彼はさまざまな過去の作家（たとえばベラスケスなど）から取り入れているのは間違いない。
　
　僕は昔に、マネが描いたシェークスピアの劇を演じる俳優のポートレイトを見た。まだ高校生だったので何もわからなかったが、その作品がひどく見難さを感じさせるものだったことをよく覚えている。それは何故か？

http://www.carolsutton.net/breda/woman_with_parrot.jpg
　
　そのポートレイトは、構図としては上のリンクの画像と同じ感じで全身が入ったものだった。（しかし、この絵のようにオウムなどは人物以外の何かはなかった）そしてサイズは２００号くらいあったと思う。

　さて、あの作品になぜ見難さを感じたかを推測してみると、その俳優の顔を見ようとするとき、見上げるか、かなり遠くに離れないと見れないということ。そして、俳優の目線がかなり上あるから自分と目線がまったく合わないということだと思う。
　そして、その俳優は演技をしているがゆえに、まなざしはある種複雑なものになっていて、かつ目線は上に向けられている。
　そういったことが、見る者がその俳優に感情移入することを不可能にし、ゆえに、僕はムズムズとむずがゆさを覚えたのだと思う。つまり、演劇でいえば異化に近い効果がそこでは仕組まれていたのだと思う。
　
　この俳優のポートレイトのほかにも「笛を吹く少年」など全身を入れたポートレイトをマネは多く描いているが、絵は床に置かれているわけではなく、壁にかけられているため、見るものの目の前には、腰もしくは足が来ることになる。
　マネは明らかに観者の目線の高さと、イリュージョンの視点を意識的にしかも非常に巧みに操った作家である。すべての作品が、そういったことを意識して作っている。またそれは非常にモダンな意識の反映になっている（もちろん今話している形式の問題以外も）のが、彼をモダンの始まりとする所以だといえるだろう。
　
　マネがポートレイトとして描くのは、だいたいが貴族でも神でもなく、庶民（現代人）である。そして、ポートレイトを描くとき、その人にどのような演出を施し、またどのような形式的な仕掛けを持たせるかで、その人のイメージというのは大きく変わってくるといっていい。（そういったことをわかりやすいのは、ダヴィットなどが描いたナポレオンの肖像だろう。）
　
　つまりポートレイト（いやポートレイトだけじゃないけど）は、社会的なヒエラルキーと絵画的な形式の問題が、つまり視覚性と視覚の問題が不可分に結びついていることを考えなければならない。このポートレイトにおけるこの問題は、ほとんどを写真というメディアにゆだねられることになる。ただ、マネの問題は、写真では置き換え不可能な問題があるとも言えるが。

　さて、最初の話に戻ろうと思う。つまり、モネの作品に。
　モネのこのポートレイトが、どのくらいい大きいのかはわからない。この作品はおそらく本物を見ないとまるでわからないといっていいかもしれない。前述したマネの絵画がそうであるように。
　
　けれどもこの画像からわかるように、この画家はかなり急斜面からこの女性を見えげて描いている。彼はなぜこの女性を見上げなければならなかったのか？
　僕はこう推測する。これはマネの作品をモネなりに展開させようとしたものではないだろうかと。
　僕は最初にあげた作品のほうがすごいと思っているが、マネとの関係をわかりやすく示すためにもこっちの作品もリンクを付けておこう。

http://www.ibiblio.org/wm/paint/auth/monet/first/monet.parasol.jpg
　
　そう、彼はここで見返しを描いている。そして、顔が描かれていないものよりもより平面性が強く示されている。しかし、マネとはまったく趣が違うと僕は思う。なぜならこのモネの作品の見返しは、明らかにこの女性をミューズ的に描きたいという欲望が見られる。そのあからさまな感じに少し恥ずかしくなってしまう。といっても、このきらめきに子供のときはきらめいてしまったけれど。しかし、この作品でその安易さを救っているのは、この子供の存在とそのまなざしである。そうすることによってこの作品の中心性を少しぶらしている。

　また、顔が描かれていない婦人の絵に話を戻すが、マネが絶妙な視点で絵を描いているように（僕はある意味でこれは演劇の舞台と観者の関係で考えなければいけないと考えているのだが）、モネもそれを意識しながら、さらに極端にぐっと仰いで見ることにしたのだと。
　これはある意味で絵画の平面性を強調する正面性というよりも、平面性と奥行きの拮抗を生み出すものにしようと考えたのだろう。これが非常にアクロバットにかつ、明確に見えるのは、睡蓮のシリーズであると思う。
　この作品でも見上げで遠近感が示されながらも、構成とタッチによってによって、平面性が強く意識されていることがよくわかる。

　また、もう一つ僕はここで深読みをしてみたくなる。
　この見上げの構図の意味を。
　従来であれば宗教画を中心として見上げの構図、つまり空を仰ぐ場合、それまでの絵画は、空＝天への関心を示すものであった。
　しかしこの女性はまったく空に感心を示さない。そして太陽に完全に背を向けている。
　ただ棒立ちで、向こうを見ている。そして見返しのもののように見る側にも関心を示していない。ただ漠然と前に広がる風景を見ている。
　そこでは前述したマネの俳優のポートレイトとはまた違う感情移入の不可能性を作り出している。
　それは一つにマネのそのポートレイトはあくまで正面性で捉えられて描かれているのに対して、モネのこの作品は、アングルが見上げになっている事によって目線が合わないように作られているからである。

　そしてもちろん、モネは空を天とは考えていない。また、従来であれば、光は対象を照らし浮き上がらせるのに影を作り出すものとして光が使われている。むしろ現象を描こうとしている。つまり空を天とは考えず、雲や太陽や風などに目が向けられている。
　けれども僕は、この作品にそれ以上のものを感じる。
　はたしてこれをポートレイトといっていいのか？顔を描いていないし、モデルも棒立ちではないか？そう言われるかも知れない。しかし、見返しの作品を見ればわかるとおり、この女性の存在感を彼は描こうとしていたことは明らかであり、かつその演出としてもこの日傘を巧みに使おうとしたこともあると僕は考えている。
　しかし、この習作かもしれないこの作品は、逆にミューズではなく亡霊的な存在感を放っている。
　そこには描かれていない太陽と、日傘と女性とその影の関係性がそれを作り出しているのかもしれない。そしてスカーフと影と、草の斜面が彼女の存在を危うさ引き立てている。
　太陽と風に背を向け、急斜面の丘の上に立つ顔がない女性をしっかりとしたフォルムで描くことによって亡霊のような怪物のような存在感が浮き彫りにされていると思うのはおそらく強引な僕の妄想なんだろう。