whaplog

　スチームボーイを見た。見る前からなかなか良い評判を聞けなかったのだけれど、まぁ思ったよりは面白かったような気がする。
　なるほど彼の破壊の描き方は、なかなか強度がある。けれどもその表現に新しさというのは全く感じなかった。
　この映画のストーリは、昔（童夢以前）の大友の漫画を思い出させる、にぶい（にぶすぎる？）「くだらなさ」があった。その「くだらなさ」はある意味で大友の馬鹿っぽさとシニカルさを内包したねじれた世界観でもあって必ずしも悪くないかなとも思えたのだけれど。まぁこれじゃぁウケないよなと思う。
　彼がある意味でこんな空疎な物語を描いたもの、よりアニメの映像における暴力性、そのものを見せたかったからだろう。それがとても日本的クレイジーさに感じたのだけれど。これは違うと思うかもしれないけれど、思った以上にこの映画の態度が村上隆の態度と共通していると思えた。村上はこういった作品の翻訳に勤しんでいるんだろうけれど、確かにこの作品は日本の文化背景がわかっていなければ、理解できないんじゃないだろうか、実は。
　とにかく、この「くだらなさ」と破壊のスペクタクルが、理解されにくいかもしれないし、理解できたとしても評価できないところが多分にあるけれど、この映画のねじれた世界は、評価できないにせよ、見て損はなかった。
　
　

Hayward GalleryでRebecca Hornの展示を見てきました。
私はこの作家のことをよく知らないまま見に行ったのですが、とてもよかった。
おもに装置的な立体やインスタレーション、ドローイングの展示でした。
タイトルからもわかるように身体に取り付ける器具から始まり、それがどんどん抽象的な線に変わっていく展示のようにも見えました。けど、年代別に展示してはなかったはず。
体につける器具のほとんどは網状になっていて、それを体に巻き付けるようにできているんだけど、面白いなと思ったのは、どれも体が軸になっていたこと。パフォーマンスの時の映像や、写真もあったけど、どれもきれいだった。映像では、顔に鉛筆がついていて、それを壁になすりつけていたり、鉛筆じゃなく羽がついていて、人の顔をなでていたりと、奇妙な光景にも見えました。いや、奇妙なんだけど、繰り返し首を横に振る行動だったり、その表情だったりと、見入ってしまう強さがありました。
神秘的というよりも行為の痕跡が洗練されていた、という印象をうけました。
装置だけのものは、機械が自動的にある一定の時間動くようになっていました。羽が取り付けられたものや、箱の上に置かれた本がぱたぱたと開いたり閉じかけたり、チェロに２つ弓が取り付けられ、音がでるものだとか・・・。
装置の場合、その行為がもっとダイレクトに客観視され、それが逆にユーモラスに見えたりもしました。機械がかくかく動く感じとか、ある一定の時間止まっていて、そのあとの数秒〜数分動き出す、その間や速度が素材と機械のギャップの面白さにもつながっていたと思います。
映像インスタレーションもあった。3×２mくらいの円形の鉄板に水がはられ、ライトが当てられていて、その反射が壁に映っている。水面を棒でつつく器具が取り付けられていて、しばしば表面が歪む。その横では鏡とライトを使った装置があり、宇宙空間のような雰囲気をかもし出していた。
装置がもっている時間が見ている側の時間を制限するのではく、勝手に動いていて、こっちが能動的に見る感じがしました。時間のあり方が特徴的に見えました。
全体を見て、作品の強さもそうだけど、繰り返し起こる行為がなんだか切なくもあり、奇妙でもあり、複雑な気分になりました。
感想文みたいになってしまってすみません。
興味があれば、HPも見てみて下さい。
www.hayward.org.uk

WHITE CUBEとHALES GALLERYとALMA ENTERPRISESをまわった。
WHITE CUBE ではAnselm Kiefer の展示がやっていて、室内には三点の巨大な絵画が展示されていた。ひとつ380 ×　560 cmの大きさで、色面の上に溶接して作られた船が数々張り付いている、海に船が浮かんでいる絵。表面には分厚い絵の具の層がみられ、ひび割れている。さらに何か文字も書かれていた。（読めなかった）
船の模型は荒々しい作りで、けど、ひとつひとつが船の立体として作られている。
展示空間に入った瞬間、大きな絵として目に飛びこんできた。
けど、近づいてみて見るとその表面の浮き出ている物が見えてくる。
次第に目が慣れてくると、遠くから眺めていて、その立体がまるでおもちゃの模型のようにも見えてくる。物質の強さが変化して見えてくるのが面白かった。
WHITE CUBEをでて、建物の前にある公園の中心にあるOutside the White Cube:Hoxton Squareでは少し小さい作品が３０枚近くぎっちりと敷き詰められた展示だった。作品は上記のような作品形態で、左と右の面にその絵があり、真っ正面の壁には文字が書かれていた。こちらは圧巻って感じのインスタレーションでした。

HALES GALLERYではNeil Gallという作家の展示がしてた。
粘度やボール、発泡スチロールなど、割と小さめの素材を組み合わせ、ジオラマのようなモチーフを作り、（かなり素材感あふれるモチーフなのですが、）それを絵に描く。という作品でした。絵はうまかった。写実的な、とういうめんで。
そのモチーフになっている立体は面白そうだったけど、それをわざわざ絵にすることがあんまりよくわからない感じ。というのは、立体は立体で楽しそうに作っていて、絵は絵で妙に写実的な追求心が見えてきて、それが２度おいしい感じで見えてきちゃって、なぜかつまらなく見えてきてしまったんですよね。よくわかんないけど。

ALMA ENTERPRISESではJim Finerという作家が展示しており、これはインスタレーションで、レコードが動いているのを真上からビデオカメラでとり、その映像が数秒〜１分の遅れで真っ正面の壁にプロジェクションされるという作品。
どこかでみたことがある感じ。

と、まー、まだまだこちらの面白い展示がどこでやっているのかつかめていない感じです。ギャラリーが点々としていて、一気にまわれる感じではありません。
ギャラリー自体は大きいスペースから銀座の貸し画廊と同じくらいのスペースまで様々なようです。

　また、映画の話かよ。そう、映画の話。最近は美術展も行っていないので、美術の話もそんなにすることもない。展示前ということもあってか、現実逃避かなんなのか、自然と見る映画の量が増えている今日この頃。しかも、けして重要な作品じゃなくて気軽な作品に手が伸びる。たぶん今夜はパイレーツ・オブ・カリビアン。
　その類で最近「めぐりあう時間たち」を見た。この映画が気になったのはニコールキッドマンの顔である。髪が黒くて、眉毛がいつもと違うのか、ニコールキッドマンってこんな顔だったかしらというところにあった。また、この話はメリル・ストリープ、ジュリアン・ムーア、ニコール・キッドマンがそれぞれ三人の女性を演じているのだが、２００１年、１９５１年、１９２３年と異なる時間の設定になっており、それが映画のの中で交互に進行していくという形式をとっている。これはグリフィスの「イントレランス」などの作品などでも行われている形式であってけして新しくも珍しくもないのだけれど、見てみるかという気になってみてみたのだ。
　感想としては、そこまですごいとは思わなかったけれど、非常に丁寧に描いているなと思い好感は持てた。
　この映画はニコールキッドマンが演じているヴァージニアウルフが書いた「ダロウェイ夫人」という小説が一つの大きな基盤となっているのだが、三つのかけ離れた時間は、シンクロしたり、反復したりして巧みに関係性を作り出してはいるのだが、この描き方が丁寧ではあるけれど驚かされるところが一つもなかったことがこの映画の限界だと思う。ただ、この物語の統覚がどこにあるのかということが、この物語はいかにしてまとめられるのかということに見るものを意識させるようになっているそのやり口はなかなかうまかったような気がする。
　つまりこれはいったい誰を中心とした物語なのか？、もしくはこの物語の語り手は誰なのか？と。
　この映画は非常に丁寧に三つの女性のあり方をいうのを描こうとした作品なのだろう。ヴァージニアは、夫を残して自殺をする。ローサは、家族を捨てて蒸発する。クラリッサは、詩人である元恋人に目の前で自殺される。ここではつねに、自殺ということがテーマになっているが、ここで描かれているのは、自殺する人間の孤独と、残された人間の孤独である。しかし、どこか自殺は特権的なものとして描かれており、自殺＝家族や恋人を捨てるということが中心になっていたから。それが「自由」やそれに関する倫理観の問題が関係している。それが、フェニミズム的な感性を作り出しているような気がするのだが、それがこの作品の統覚の所在に関係してきている。その宙吊り感は、なかなかうまくいっていたのではないだろうか。
　それと、冒頭に書いたとおりニコールキッドマンの顔はやはりどこか違和感があった。しかしこの映画を見ているうちにそれが特殊メイクで鼻の形を変えていることがわかった。エイズになったという設定のエドハリスや、年をとった、もしくは妊娠したジュリアンムーアと、巧みな特殊メイクが何度か出てきたからだ。年をとったジュリアン・ムーアの場合を除いてメイクが非常に自然で効果的だったと思った。
　しかしこの二コール・キッドマン、ジュリアン・ムーア、メリル・ストリープの女優競争の中で、いったい誰が一番輝いていたのか。みんなとりあえず大女優なので、自分なりの演技をやっていてコンセプトみたいのがはっきりと見えたが、しかし、演じ方のタイプが三人とも違って（あえてそういう設定にしたのだろうけれど）誰が一番良かったか僕には良くわからなかった。そしてエド・ハリスはかっこいいし、うまいんだろうけれど、この人のナルシスト感というかなんなのかが、どこか僕には受け付けないところがないわけでもない。ジュリアン・ムーアは、もっと華のある役の方が映えるなと思った。三人とも好きな女優さんではあるけれど。

　昨日DVDで「ロストイントランスレイション」を見た。一定量悪くないのだろうけれど、なかなか見る気になれない作品だったが、その予感は必ずしも外れていなかった。この作品で感じるであろうもどかしさは、予想していた。けれどもいざ見てみると、そのもどかしさはなんとも言えないものだ。
　最近ソフィア・コッポラの兄ローマンコッポラのCQを見たがこちらのセンチ。兄弟そろってこんなにセンチだとなんだか気持ち悪い兄弟なんだろうと思わなくもない。しかしどちらも映画教育はよく行き届いており、かなり優等生的な映画を展開している。
　しかし、「ロストイン〜」で描かれる東京は紛れもなく東京なのだけれど、あの滑稽さ意味不明さは何なのだろう。どう考えても魅力的に描かれない東京、空虚感は、自分が住んでいるがゆえに複雑な気持ちになる。しかも確かにあそこに出てくる日本人は紛れもなく日本人なのだけれど、日本人の僕が見ていても、なんだか異星人のように感じてしまう。
　けれど、外国人が日本に来たとき、それはおそらくロストイントランスレイション中の日本より、さらに日本だと思うのではないかと思う。実際の東京は、もっと強度を持って東京なのだ。しかし、僕はこの映画の中の日本にどこか違和感を感じる。これは間違いなく東京なのだけれど、それは、僕が知っている東京ではない。
　そして、この中で描かれる中年男と女の子の物語も空虚で切ない。しかもなんとも空っぽな物語。けれども、映像は優れて洗練されていて、内容はシンプル。これって、ギャロの「ブラウンバニー」や、ちょっと違うけれどオゾンの「スイミングプール」と感覚が似ているかもしれない。
　つまりこれって一つの時代的なリアリティなんだろうな。
　う〜ん。