whaplog

　メリークリスマスっていうことで、最近現実逃避型のモードというよりも引きこもり型のモードになってきているのですが、最近ポーラエキスプレスを見ました。
　いや非常に面白かった。映画館で必見の映画です。いや本当素晴らしい。
　子供があの映画を見ると非常に心にの頃映画になると思う。けれども、映画館で見ないと意味がない映画かもしれない。
　是非是非必見です。卒制修制の皆さんもすべてを忘れて映画館へGO!!　　
　あと、ケチをつければいくらでも付けられるけれど、僕はいいと思ったアニメ映画で、「東京ゴットファーザー」今更結構古くさい映画と言われるかもしれないし、アメリカへの媚がみえるとか、宮崎、高畑、大友、押井のパクりだぁとか言えちゃうかもしれないけれど。そんなことはおいといって、まだ巨匠になるまでには時間かかりそうだけれど見てみてください。ちなみに、千年女優も見てもそんはしない映画とはいえます。　　　

　友達からクリスカニガムのDVDを借りっぱなし、いい加減返さなければと思い今日全部見てみた。
　彼の映像は映画としてみるとどうしてもちゃちな部分が気になってしまう。

　だが、マドンナの「frozen」、ポーティスヘッドの「only you」や、エイフェックスの「flex」、ビョークの「All Is Full Of Love」はなんかを見ていると、一貫した彼の興味みたいなものが見えてきた気がする。
　
「flex」はベネチアビエンターレにも出品され高い評価を得ているが、僕はまだその作品の本の一部しか観ることができていないので何とも言うことができないが、彼の作品には一貫して身体的なものへの興味が高いことがわかる。

　それは身体的な問題が絡んだ形態の問題と映像内における時間感覚の捉え方だ。

　また特に「flex」、「Frozen」「Only You」は共通した映像の関心の中で作品が作られていると言っていいだろう。

　この三つの作品の共通点は、人が空中に浮く。飛ぶのではなく浮く。
　そして、ただ浮くのではなく、水中に浮いている人のように、髪がなびいたり、服が動いたりする。
　この状態はシンクロナイルドスイミングのような状態と同じ状態な訳だが、彼らの動きは、そういったリアルな動きなかけではない。
　つまり足をばたばたさせたりとかはしない。しかし、「Only You」の空中に浮いている少年が身体を回転させるときの手の使い方は明らかに水をかいているときと同じ動きであり、バランスの取り方も、間違いなく彼は本当に水中に入って撮影したと思われる。

　「Frozen」ではそれが水ではなく、風によってにたような効果を出している。そこでは、巧みな服のデザインによって、私たちにマドンナがどのような姿勢になっているのか当惑させるようにできているが、それと同時に、映像によって巻き戻しやスローモーションなどを巧みにつなぐことによって、現実に起こる現象とはどこか異なる動き、変化を、我々は目にするというところである。

　それがカニンガムの今観た中で、もっとも秀逸なのは「frozen」だといえる。マドンナはかなり身体を鍛えているだろうし、踊りもできるだろうが、身体の動きで観るものの認識が揺らぐほど巧みな身体の動かし方は知らないだろう。
　そういった中で、服のデザインや、風などを利用して、かつ映像的な合成や編集、あと露出などのテクニックでマドンナがまるで変幻自在な魔女のように不思議さを出しているのは一定量観るべきものがあると思う。　
　形態の変化の仕方の認識にうまくノイズを入れることができているということだ。

　例えば、田中功起なんかも、空中に浮き続けるトイレットペーパー、やカツラでそのようなことをやっているが、形態の問題、重力の問題、モノの現象や表情のつかみ取り方というといった認識の問題の部分では、カニンガムの方が巧みだといえるかもしれない。
　
　まぁ、そこまで認識が揺らぐかというとやっぱりそこまでではないのだけれど、彼が作った最近のCMみたいなやつを観ても、形態としての身体と映像内における時間感覚に対するわかりやすい考察が観ることができ、一定量評価することができた。

　まぁそれよりも、映像の完成度や完成度が凄いと評価したくなるかもしれないが、彼は意外と形式的な問題を考えているようだ。CMやPVと商業的な問題も考慮に入れなければならないことも確かで、それが大変だと本人もどこかでコメントしていたが。
　その形式的な問題をどこまで徹底して考えるのかはわからない。彼の作品はやっぱりオーダーや商業的なものとの折り合いなどがかなり厳しいだろうし、どこか形式的なものだけでが見えてこないようにするのが彼の中であるかもしれないし。それが一概に悪いともいえないが、ストーリとしてではなく、シュチュエーションとしてでもなく、単に様式美にならず感覚的なものに訴えてくるような映像を作り出してくれることをカニンガムを観ていると期待してしまう。そん部分をとったらおそらく彼はちゃちな映像作家になってしまう。

今回はスタジオショウと言う事で、ふだん制作をしているスタジオで展示をしたわけですが、やってみる価値は有るなと感じました。スタジオショウをして美術関係者にも足を運んでもらいたいという理由もあって23区内でスタジオをさがしたんですけど、これも正解だったなと思います。実際、ギャラリーの方々も何人か見に来てもらえたし。昔の作品もすぐに出してきてプレゼンもできるし。そういう意味ではこれから大学を出てアトリエを構えようって人たちは積極的にこちら側に出てきたら良いのではないでしょうか。意外とお手ごろな物件も有りますし、やはり便利ですしね。都心でバイトしたりするならアトリエにも通いやすいしね。

ただ、ギャラリーを借りて展示をすることも大事な事であると感じました。やっぱり緊張感が違うと思うんですよね。スタジオで展示するのはぬるくなってしまう危険性もると感じたわけです。イベント感覚になってしまうとでも言うのかな。ただ、金銭的な問題をそれほど抱えなくて済むという意味では、攻めの姿勢を持ちやすいってのも有るかなとは思います。実験的にいろんな事をやっていく場としてはやりやすいかなと思いますね。
こんな事をいっていいのかはわかりませんけど、今回はうちの5人が制作を始めるきっかけとしてむりやり企画したっていう部分が有るんですね。そういったこともあって人に見せて良いものかって思う部分も有りました。見に来てくれたみなさんからはどのように見えたのかはよく分かりませんが、僕個人的にはぬるさとか甘さが見える展示になってしまったのではないかと思います。それでも歯に衣を着せぬ有り難い意見をくれた皆様には感謝するばかりです。
このぬるさとか甘さをぬぐい去って5人がギンギンにせめて行けたらこれからも面白い展示をやっていけるのかなって思います。
また懲りずにやるつもりですからその時はよろしくね。

　ロイリキテンスタインは漫画を描いた有名な作家であることは誰でも知っているだろう。
　リキテンスタインが、漫画を絵にしたのは1961年ごろであり、彼は1923年生まれなので、38歳ぐらいに描いたということになる。それまでの彼の作品がどのようなものだったかは、あまり知られていないが、彼は漫画の絵画に取り組む前の作品もとても魅力的な物を作り出している。それらの作品は、クレーやピカソ、ミロなど影響が色濃く見える。というか、そこから問題を展開させようとしていると言った方がいいかぁ。
　完全に抽象に行くわけではなく、初期カンディンスキーやクレーやピカソのような物語的であったり、あるモチーフの状況設定がある中で、構成的な線や色彩で作品が作られている。
　それらの作品は、ひどくかわいらしいものたちばかりで、昔から子供らしさみたいなものがにじみ出ている。
　彼の初期の作品を良く観てみれば、その時点で彼がやろうとしている形式的な問題の発見というのはある部分なされていると言って良いだろう。
　ブラッシュストロークの発想もこのころ既にある程度考えられている。
　そこらへんの作品はかわいらしくユーモラスで、たしかに一定量の形式的な発見、展開を観る事ができるのだが、非常に優等生な優しい画家とは言え、歴史に残るような大きな作家ではない事がよくわかる。
　しかし、漫画を自分の作品のシステムの中に導入してからは、彼のやわらかいタッチは消え去り、自分の作品の中でやっている問題が明瞭に見えるようになる。そこでは、完全に初期のやわらかさ、かわいさしさは、リキテンスタインの作品から消える。それはモチーフの問題ではなく、あの徹底された描き方にあると考えていいと思う。つまりただ漫画を描いたからというわけではない。それはある意味で作家としての鈍さを完全に取り除く作業だった。
　彼のこの決断を今の僕が見ても戸惑ってしまうほどだ。
　初期の彼の作品は悪くない作品であり、今見るとまたそれはそれで魅力的なものである、がそれを完全に切って、彼自分の作品の中にある鈍さを断ち切っている。思考とアイデアが強く見える代わりに、ある魅力を失うそれをわかりながらもリキテンスタインは、思考とアイデア、作品の形式的な部分で勝負する道を選んだのは本当に勇気がいることだっただろう。そして、以前のような趣味的な作家ではなくなった。これは大きな意味を持つ。
　彼はそれからもいろいろ悩んだだろうが、二度と過去のような作品に戻ることはなかった。常に厳しさの中で作品を展開して行ったのだ。その展開も本当に粘りのあるすばらしいものであり敬意を持ってしまう。
　今日において、このような作家の決断や選択をこれほど明瞭に見ることというのはあまりないかもしれない。けれども僕たちは彼から学ぶこと、考えることはとても多いはずだ。
　　

　Balkenholのコラムに対して、彫刻の当たり前の問題を生ぬるく書きすぎではないかということと、なぜフォーマルな問題を話すのにBalkenholを取り上げる理由があるのか？という意見をもらった。
　その意見は、たしかに正しいと思う。
　だったら、もっと練ってちゃんとした問題を考えてコラムを書けばいいのだけれど、またちょちょっと書いてしまうのは、僕のいけないところだ。
　Stephan Balkenholでの話は、彫刻の中でとても大きな問題であり、誰もが関係する問題だから、当然それを考えたとき、彼以外にもいろいろな作家が当たり前のようにやっている。
　そこで、セラとバルケンホールの対比をして観るのも面白いと思う。
　セラとバルケンフォールの決定的な違いは、おそらくセラは認識に揺らぎをかけるために、水平垂直に揺らぎをかける。
　が、バルケンフォールの作品は作品の全体のフォルムによって水平垂直に対して揺らぎをかけるという事はせず、認識の揺らぎは希薄だ。それは1つに彫られる前の木のイメージを想起させるためにか、木は捻じ曲げられることもなく、立てかけられることもなく、そのまま水平垂直を壊すことなく愚鈍に置かれている。
　これは絵画の問題でも同じ事がいえるけれど。
　しかし、セラとバルケンフォールの特性をいえば1つに物質の特性の活かし方と質量に対する考え方もそれなりに考えられている。
　まぁこれも、彫刻をやっているものなら誰もが考えるところだが、セラの作品は誰がどう見ても重い。また、この作品がいつ倒れてきてもおかしくないというような恐怖感をあおる作品も少なくない。
つまり重力や、作品が自律している状態を緊張感や圧迫感として肌で感じる様になっているはずだ。
　おそらくだが、セラと言う作家は、そういった認識を観る者に肌で感じさせるという事が非常に長けた作家である。
　かつ作品が持っている形態や、成り立ち方には軽さを持っているといえるだろう。
　そこで、またそういった事がらからある種のセラの作品をみる位置によって、作品から受ける印象がずいぶん異なるという経験を観客はするはずだ。近くでみると妙に圧迫され、遠くでみると軽い形態を持っていることによって。
　バルケンフォールの作品もまた大木であり誰が見ても重いのだが、上についている彫刻は、小さく、かつ絵の具で塗られている事もあってイメージとしては軽さを持っている。おそらくそこに認識のズレみたいなものを作り出していると思う。
　たしかにバルケンフォールの作品はここでも観客の認識に対してある安定した物を作っているといえるだろう。バルケンフォールの場合彫刻という安定した概念の中で読み物的なものとして作品が成立していると言える。
　セラは、たしかに鉄が持っている重量感や、錆が持っている色彩や物質的な強度をうまく利用しながらも、素材の既存のイメージをこえる作品を作ろうとしている。
　バルケンフォールは逆に素材の既存のイメージ（フレーム）を利用していると言えるだろう。つまり作品の一つの落としどころが原型の状態を見るものに想起させると言うことにである。それは、トムフリードマンと近い素材に対する考え方といえるかもしれない。
　そしてセラが嫌いな簡単なドラマ性かもしれないが、トムフリードマンもバルケンフォールも作品の中にそれを入れ込んでいるというのが、セラとの大きな違いである。
　けれども面白いのはセラの作品は意外と彼らとは少し違った意味でのドラマ性と言うのを考えているというところだと思う。
　うーん、これじゃ、やっぱりコラムに意見をくれた人は納得しないな。すみません。そろそろ冬休み。じっくり考えます。